Gatti, ha inaugurado recientemente una exposición antológica que recoge toda su trayectoria, pero no solo en lo que al campo del diseño gráfico se refiere sino también, aplicado a casi todas las artes visuales, incluyendo por tanto, fotografía e incluso una compleja instalación audiovisual de la que os hablaremos más adelante.
Creador de carteles icónicos como los realizados para las películas de Pedro Almodóvar, este diseñador sin duda ha redifinido las fronteras del arte plástico patrio, influenciando a muchas generaciones posteriores entre los que podemos encontrar sin duda alguna a Gorka Postigo y a David Delfín ( al que nombra en los agradecimientos del libro de la exhibición).
Al entrar en la muestra, lo primero que nos sorprende y nos llama poderosamente la atención, es su emplazamiento. La exposición está dispuesta dentro de la antigua depuradora-depósito de agua del Canal de Isabel II, lo que da un toque siniestro e incluso fantasmagórico, jugando a favor de las piezas exhibidas y creando un halo único que resulta una experiencia añadida al observar el arte de Gatti.
Subiendo una planta más, nos adentramos en el Juan Gatti más personal e introspectivo. Las fotografías mostradas aquí constituyen los trabajos realizados por el artista al margen de sus encargos comerciales y que celosamente ha ido guardando hasta este momento, en que ha decido mostrarse. Todas las fotos, están realizadas en blanco y negro y con un tratamiento de la iluminación muy singular definido como contraluz que también da nombre a la exhibición. Los fotos están dispuestas en las paredes a modo de murales de gran tamaño fusionándose las imágenes unas con otras y forrando por completo toda la planta, dando la sensación de habernos introducido de lleno en la mente del genial Gatti.
Los motivos representados en estas obras van desde insectos y animales estáticos hasta formas en movimiento en todo su esplendor como el vuelo de las faldas de una bailarina, una procesión de hombres desnudos corriendo, haces de humo que fusionados componen formas ( en esta foto encontramos una vez más a Bimba).
Ya en la tercera planta, encontramos otra instalación fotográfica a base de murales de gran formato, pero esta vez las imágenes poseen una mayor carga simbólica si cabe. Al igual que en la planta anterior, la ausencia total de luz excepto en los murales hace que focalicemos más la atención en las obras expuestas, empapándonos de las sensaciones que transmiten. Como curiosidad destacar que en esta parte, los murales están iluminados en luz ultravioleta, a diferencia de los anteriores que estaban resaltados con luz blanca.
LLegamos a la tercera y última planta de la muestra y cual es nuestra sorpresa que resulta ser una imponente instalación audiovisual circular, realizada en la cúpula del edificio. Con su sonido envolvente y unas imágenes evocadoras, la fusión con el universo Gatti ya es total.
Sin duda, la muestra no puede definir más a la perfección el arte de este genio con sus luces y sombras que lleva décadas deleitándonos a través de sus trabajos pero que esta vez se deja ver a contraluz descubriéndonos dimensiones hasta ahora desconocidas de su genio.
En el próximo post, las fotos de Juan Gatti a Bimba (retrospectiva).
Dónde: Sala de Exposiciones Canal de Isabel II (Madrid); Calle Santa Engracia 125; Metro: Ríos Rosas, Salida Bretón de los Herreros.
Cuándo: Hasta el 1 de abril de 2012.
Fotos Vía: http://javierparraalvarez.blogspot.com
CNMV
Fotografía Ad
Baued
BAC: En una ocasión dijiste que para tus retratos preferías el drama. ¿Ofrece muchos más recursos artísticos?
Cualquier elemento que deje una historia abierta, que no sepas qué ha ocurrido antes o qué va a ocurrir después resulta mucho más sugerente. Ayuda a que el espectador cree una narración, que complete esa imagen con su propia interpretación. Esto es mucho más fácil si en la imagen falta algo, si está implícita una ausencia o una pérdida.
Una imagen más lúdica o alegre es mucho más cerrada en si misma, no invita a hacerse preguntas.
BAC: Consigues hacer palpable algo tan abstracto como los sentimientos, lo vimos antes con Where you’ re ending, I begin y nos volvemos a encontrar ante ello con Club Kids. ¿Cuál es tu fórmula para conseguir un resultado tan bueno?
Son dos propuestas diametralmente opuestas, WYEIB tenía más que ver con un exorcismo emocional, una necesidad personal de sacarme algo de encima, igual no tenía tanto que ver con capturar algo del modelo fotografiado, pero si de trasladar algo de lo que necesitaba purgarme y convertirlo en algo externo a mí.
En el caso de Club Kids tiene que ver más con las elecciones que hacemos. Y no sólo por la elección de los personajes que aparecen en las fotografías, si no por el hecho de elegir este trabajo, que surgió como una colaboración con Adrián González, director creativo y editor de la revista Buffalo. Es decir el hecho de haber elegido este trabajo para presentar en BAC tiene que ver con poder trazar un puente entre mi trabajo personal y las colaboraciones con otros equipos creativos y encargos, y a la vez poder ir definiendo una mirada personal sobre mi trabajo.
BAC: En esta expo cuestionas una identidad propia y muy marcada, que se sale de lo impuesto y que detesta los convencionalismos. ¿Cómo surge esta idea?
Como fotógrafo de moda estoy acostumbrado a trabajar dentro de un sistema cerrado, donde todo ha de ser perfecto, un canon más que definido y unos estándares que ya por repetitivos pierden su intencionado efecto aspiracional.
Al retratar a estos chicos se establece una comunicación mucho mas directa, son chicos que no están acostumbrados a trabajar en moda, pero suplen con creces el no encajar en el canon con actitud.
Es esa actitud frente a un medio desconocido y ajeno lo que me interesa, cómo nos podemos relacionar con un medio que nos es extraño y buscar la manera de encajar.
Supongo que en el fondo se trata de una manera de adaptación.
BAC: Podríamos decir que Club Kids se basa ante todo en la gente auténtica que construye su propia sociedad. Una actitud ante la vida, como una filosofía. ¿Con quiénes las podrías identificar?
No tiene tanto que ver con la auténtico, que me resulta difícil definir qué o quién es auténtico y quien no, pero si tiene que ver con la creación de universos particulares, y a la vez compartidos. Cómo a través de intereses comunes podemos constituir pequeñas familias y agrupaciones.
BAC: En Where you’re ending, I begin tratabas de exponer una propuesta terapeútica, mostrabas emociones con las que te habías sentido vinculado. ¿Se podría decir que Club Kids habla por ti? ¿Se trata de una forma de explicar lo que no te gusta de la sociedad a modo de reivindicación?
Si me interesa la construcción de una propia identidad, de una reafirmación, de una elección y una decisión de formar parte de algo, o de crearse una nueva identidad, no sólo en un plano estético, ya que lo que realmente me interesa tiene que ver más con un sentido psíquico de la identidad. De las elecciones que uno hace, por y para qué, de cuestionarse los convencionalismos heredados de una sociedad judeo cristiana, de lo familiar, de lo social y de lo político.
No tiene tanto que ver con una rebelión social ni en luchar contra el sistema, pero si tiene que ver con una búsqueda personal.
BAC: Como fotógrafo congelas el intimismo, la languidez, la tensión, en definitiva, multitud de sentimientos. Ahora, tu propuesta es más descarada y desenfadada. ¿Cuentas con tu estado de ánimo para sacar más partido a las actitudes de cada modelo?
Toda elección está condicionada por el momento que uno está viviendo, y supongo que esta propuesta no está exenta de ello.
No suelo intervenir de una manera directa en cómo se ha de comportar el modelo, si tengo una idea general de qué es lo que quiero hacer, pero siempre hay un momento decisivo en la relación que se establece entre el modelo y el fotógrafo.
BAC: Las fotos que presentas son en blanco y negro, enfatizas las emociones y los contrastes. ¿Qué función tiene en esta expo la ausencia del color?
El blanco y negro tiene esa capacidad de convertir lo cotidiano en algo mucho más codificado, una imagen que nos es familiar en algo monumental.
Al eliminar información cromática nos fijamos en detalles que en la realidad no vemos, agudiza la mirada y dirige el ojo de una manera mucho más selectiva.
Todas estas naturalezas muertas, contienen elementos presentes en el espíritu de estas series y que han sido elegidos por Bimba.
Como no podía ser de otra forma, el fotógrafo elegido para plasmar estas obras, ha sido el amigo y socio de la firma Gorka Postigo( por cuyo trabajo tenemos gran admiración todo el equipo del blog y que recientemente estrena una muestra a la que dedicaremos un post dentro de muy poco).
